中国现代绘画艺术应心怀虔诚向传统汲取营养
中国近代绘画艺术的繁荣和多元化除了在绘画技巧和绘画材料的更加丰富外,在表现形式上大胆借鉴并融汇西方绘画艺术中的以形写神、以形写实的技巧,突显了中国当代绘画的创新变化特征。
中国传统绘画艺术有数千年的发展历史,在源远流长的历史长河中,每个不同时代对绘画的不同理解和创造都为中国画的繁荣发展注入了新的活力,从而使得这门国粹艺术经久不衰。从这个意义上说,中国绘画一直不间断的延承传统技艺使其数千年薪火相承,才真正符合中国画的特征,所以才有资格贴上“中国画”的标签。但是,近年来,随着文化艺术领域的不断繁荣和国际间文化艺术的交流不断增加,各种文化艺术形式的相互融合和多元发展,中国绘画艺术也得到了前所未有的空前繁荣,一股以反传统、逆宗脉的所谓“创新势力”也甚嚣尘上,甚至站出来对中国传统绘画技艺进行“黑化”和污蔑。
创作灵感永远不会超越自然和传统孤立存在
从发展的角度说,无论是哪门技艺,没有创新变化、没有兼容并蓄的借鉴和从多元的流派支系中吸收营养,是无法长期传承和延续下去的。绘画艺术更是如此。在发扬和传承先人的传统技艺的基础上大胆革故创新,秉持这份勇气的创新者无疑是值得喝彩和赞赏的。但是,创新并不是一味的对传统进行否定,更不是对传统技艺的无情攻击和全面抹杀。
世界上没有哪门技艺是可以完全脱离传统而独立存在的;世界上也不存在任何一种艺术形式是绝对的天才创造。我们都知道被人们所熟知和公认的世界上最伟大的科学家、物理学家牛顿曾谦虚地把自己在科学领域获得的成就归功于是他“站在先辈们的肩膀上”。这说明前人的成果对任何一个领域的发展都同样是不可缺少的。如果没有前人在相关领域的发现和积累以及在这些成熟的经验带给我们每个人相应的启示或触发个人在某些相关技艺上特长的情况下,后人又何谈创新和变革呢?一个本土的中国藉绘画创作者无论在艺术创作上取得多么高的成就,他的艺术创作中的所有元素如果不是带有中国特色印记的点、线条、笔墨,而是西方特征的油彩、造型,或者任何不与中国画基本元素相关联的内容,那么,这种绘画就不是真正的中国画,也根本谈不上中国绘画的创新。
近代画坛巨匠吴昌硕和齐白石算得上是同时代的大写意花鸟大家。早期,齐白石在大写意花鸟画的创作上是借鉴和吸收了吴昌硕的绘画精髓的,尽管后来因为二人因创作风格上的相近又有突破创新的差异而出现此兴彼衰的景象导致互生罅隙,甚至齐白石在负气之下不承认模仿吴昌硕。但事实上,白石老先生的作品中无处不投射出吴昌硕画风的痕迹。从齐白石的画风和篆刻上看,齐白石的画作确实有着吴昌硕的影子。齐白石变画法之前,确实是学习吴昌硕的,包括学习临摹。齐白石学吴昌硕是个不争的事实,但在创作上肯定是在吴昌硕风格基础之上进行了大胆的创新和变化了的。
吴昌硕的作品渗透着浓浓的金石味道,绘画气息雄健、大刀阔斧又随心所欲、朴拙洒脱;构图精巧、意境自然恬静。齐白石在创作上则采纳了陈师曾让他改变画风的建议,在颜色表现上更为雅致清新。齐白石总想把画表现的尽善尽美,尽量把画面画的漂亮。这样,在表现形式上,两人的风格既有相似之处,又凸显出迥异的大写意花鸟画的艺术之美。
伟大的作品均源于兼容并蓄和丰富的内涵
一件伟大的艺术作品,从骨子里折射出来的美是无懈可击的;因为它最完美的继承了历史的传统的定义美的基因,又完美的融合了现代审美架构的基本元素。正如人们评价一个有涵养和美德的孩子一样,他的所有的完美表现和骨子里渗透出来的素质一定与他的出身和教养有关——只有继承了好的“家风”,才有可能在人前获得赞赏和肯定。好的艺术作品亦是如此。
博大精深的中国传统绘画艺术根植于源远流长的深厚文化积淀与浓郁的农耕文化延承宗脉。脱离了“传统”这根主线,任何所谓的中国绘画艺术和书法艺术的创新都是离经叛道的“胡作非为”,根本谈不上独创的艺术成就。时下不少写丑书者在谈及自己所宗流派时,为了表明自己书法艺术创作上的独立存在精神,都对传统技艺避而不谈,或讳莫如深;当谈及与“二王”惑颜、欧、柳、赵诸家,更是大言不惭的鄙夷地斥为“俗物”,不忍与这些腐枯朽物为伍!
任何一种艺术创作,都必须把“美”这一标准作为根本要素,任何脱离了美的基本底线标准的所谓艺术成果和创造都是哗众取宠的笑料并最终沦为遗臭万年的小丑。如某丑书作者狂放地吹嘘说——我的书法艺术完全是独创的,没有借鉴和延承任何传统书法家的成果!如果不在久被公认的传统书法大家的流派之列,又号称是从中国方块字演绎出来的艺术表现形式,若不是在艺术表现力上美出超过一切传统书法大家新高度,那就是“丑”到难入世人法眼的新高度,这类脱离了“美”这一根被底线的所谓“创新成果”又如何能算得上中国书法艺术呢?
中国绘画艺术也是一样,没有了传统技艺的给养,即没有了点、线、水墨、随类赋彩的传统技艺的渲染,还有金石、印章、款额的映衬之下的创作特色,那还算是被称为“国粹”的中国绘画艺术吗?
真正伟大的作品是有生命力和灵魂的。但是,艺术作品的生命力和灵魂往往不是来自于题材自身,而取决于艺术家的思想和创作意图。每个时代都会有伟大的艺术家和伟大的作品出现,艺术家除了在表现形式上善于从前人的成功经验积累中汲取营养,和从最朴拙的创作素材中撷取最朴素的元素外,也更注重让作品投射出鲜活的生命力和灵魂。在芸芸众生和茫茫人海中撷取被人们忽略的平凡的点点滴滴感动瞬间,把融汇了艺术家全新意象境界的创作灵感,连同一发而不可收、如江河奔流的情感倾泻于笔端,让平静而无波澜的水面激荡起令人震撼的涟漪,也正是艺术家锻造不朽之作的历史担当的责任所在。
一种传统技艺能够在数千年的朝代更替和岁月流逝中发扬光大,除了其内核的精神实质被世人敬仰认可外,在技艺技法上的传承也是让一些国粹艺术能够长期发展和保留下来的关键。当然,任何一种传统艺术能够传承下来,除了其保留固有的内核与精神的继承性外,在每个不同的时代被赋予与时代相融合的特征而既巩固了其传承性又丰富了其在技艺和表现形式上的创新性,从而使之更加丰富多彩和饱满及张力。每个时代的艺术家都赋予了自己的作品丰富的时代内涵,也正是那些勇于担当的艺术家注重作品的内涵之于时代的现实意义和与中华传统艺术的继承与发扬广大所赋予不同时代的历史责任的重要性,才使得传统文化艺术之所以有那么深厚的内涵与博大精深并源远流长的主要原因。
有生命和灵魂的作品才有继承性和传承价值;有张力和内涵的艺术作品才能丰富和展现中华传统文化的无穷魅力;只有从大自然中发现美、撷取美、创造美的作品才能称得上艺术精品、伟大的作品、不朽的作品;有责任担当的艺术家才能有资格延续中华灿烂传统文化的辉煌。
创新是对传统优秀艺术的发扬光大和继承
关于创新,其实并不是对传统进行一概的否定和贬低,或者对传统进行摧枯拉朽式的攻击。如果没有了传统艺术的根基,又谈何创新?就像出身贫苦家的孩子,长大出息了就开始对穷家丑母看不上眼了,甚至为了满足自己的虚荣心而不择手段拧着脑袋往上流社会的群体里跻身,转过身来就又对曾经生养过自己的穷家旧舍进行无情地攻击和贬低,似乎自己并不曾有过在贫苦的生活环境里挣扎过一样。有这些表现虚荣表现的人只能说明其内心的极度自卑和空虚,通过选择性的忘记过去、忘记出身重新战队来洗白自己的经历,只能让自己戴上“忘本”的标签。即便把自己装扮的如何冠冕堂皇,其渗透在骨子里的自卑、虚荣和懦弱,都依然不会被岁月漂洗掉,也不会被刻意营造的虚幻的光环所掩盖。在传统艺术创新领域存在着的数典忘祖的“忘本”表现又何尝不是这个道理呢!
艺术创新除了是在不断汲取了前人积累的宝贵经验的基础上,从传统艺术技法和表现形式等进行不同视角下的审美尝试外,最关键的是艺术家对所表现的对象从内心深处萌生出大胆改变其既有轨迹的冲动,一种对美好事物或情与景所涌动、激荡着的创作灵感如狂飙巨澜般喷薄而出并付诸行动。在这种背景和情境下创作出来的作品仍然是以立足在既有美的基础上“创造美”这一主线,从而使得创新充满了“正能量”被赋予了新的生命。相反,一些所谓的“创新”,并不是立足于对传统艺术的敬畏或从传统的基础上汲取营养,反而是以推翻传统、颠覆传统、否定传统,抱着哗众取宠、沽名钓誉的心态,刻意为创新而创新,作品的表现形式只有“新”,但并不美,以所谓的“新、奇、古、怪”的造作和拙劣表演打破人们的审美底线来博取世人眼球,从而达到满足自己虚荣心或“红”起来的目的。这种以丑为美的艺术创新的价值观本身就是扭曲的,不可取的,其创新也自然不会有市场,更不会被世人广泛接受认可并在艺术的发展上持久的传播继承下去。
造像之美,不敷于表,而摄于内;笔墨精神,师于造化,灵通心源。大自然处处充满生命的气息,是风与雨交融奏出的旋律,也是灵与肉撞击迸发出的和鸣;撷取源于最朴素的自然之美,把灵魂深处最撼人心魄的激情和感动汇于笔端,让朴拙的自然之美更加鲜明,让各异的个性更加饱满,让错落有致的躯体更有棱角,让充满灵性的生命更富张力,这正是善于洞察世界和审视自然之美的匠人通过手中的笔触创作经典之作的魅力所在。
艺术创造是艺术家对世界和人类社会一切真善美的事物通过形式各异的表现手法赋予其持久性生命力的“造美工程”。其创作过程和艺术作品中融合了艺术家的独创灵感与精神寄托,也赋予了作品崇真向善和积极向上的象征意义,使之具有了普遍持久的传播性、继承性,从而肩负起服务社会、服务大众、美化人类生活、生存环境的神圣使命,为人类社会的绵延不息注入活力、增添光彩。懂事文化资讯提供(作者:赵彬 王琴)
